作为毕业于湖北美术学院中国画系的文艺工作者，李雪梅在工笔与写意的边界上探寻了二十余载。2026年，她的作品《和风入怀》入选“回望——中国美术家协会年度推荐作品展（2025）”并获直送第十五届全国美展复评资格。

从2008年首次入选全国美展至今，十八载岁月流转，在李雪梅看来，绘画不只是描绘目之所及，更是书写心之所向。这份对内心感受的执着表达，已然融入她的创作生命，成为不可割舍的底色。

从2008年到2026年，李雪梅多次参加了中国美协主办的重要展览。面对“入选”“获奖”这些外在评价标准，她坦言这既是鼓励，也是对自己多年坚持“意象工笔”探索的肯定。对于这十八年间的“变”与“不变”，李雪梅有着清晰的艺术自觉：“‘变’一直是对艺术追求的精进与探索，而‘不变’是对绘画喜爱的那份‘初心’。”

回顾2008年的《无边私语》与如今的《和风入怀》，她的表达方式发生了一场从材料结合向工写观念融合的蜕变。曾经的画作中白鹭羽毛有细致的浓淡晕染，荷叶轮廓相对清晰；而如今，物象的边界大幅后退，大量细节直接“化”入雾气。这不是刻意做减法，而是一种自然的蜕变。她逐渐减少工笔的严谨造型，增加写意的畅达恣意，让画面显得更加生动、元气淋漓。

《和风入怀》是一幅舍弃色彩的纯水墨画——荷塘全凭墨色层次来呼吸。外界常以为这是写意画，但李雪梅特别澄清，这是她探索的一种工笔和写意结合的艺术语言。

那如何能做到“墨色深浅原不是刻意经营”？李雪梅分享了她独到的“制雾”心得：在创作初期，她采用写意画中的泼墨法，大胆落墨，让水和墨在纸上自然流淌交融，期间尽量少去干涉，任由“偶然”发生。待墨迹干透后，再凭借自己的审美和绘画经验，按纸上留下的墨迹用工笔画法“顺势而为”适度收拾。“达到自己心中自然而然而又极具匠心的理想效果。”这不仅是控制水与墨的博弈，更是与“偶然性”的默契共舞。

谈到题跋中的“心神两忘”，李雪梅有着深刻的体悟：“‘心神两忘’并不是真的忘，而是放空。下笔之前构思完成，落笔之时放空思绪，心随笔走，自然流淌方能畅达不滞涩。”这种状态决定了一幅画能否避开刻板，走向灵动。

荷塘系列的水气弥漫与《千年回响》中敦煌雕塑的“模糊”，虽然视觉质感相似，但情绪指向截然不同。前者是湿润、呼吸的；后者则是干燥、沧桑的。在敦煌题材中，李雪梅将菩萨面容半隐于墨色之中，形在有无之间。这种用“墨染模糊”表现时间的沉淀，展现了她对传统题材的独到思考。

在处理不同题材时，李雪梅在技法上同样有着明确的区分。《故园春秋》与《幽梦》都是李雪梅在五年内的创作，前者指向人间烟火，是现实生活感念的“显”，笔法处理上带情绪化写意用笔，自然更“实”；后者指向内心幽邃，是内心幽处的“隐”，笔线隐于墨则归于素淡。

而在《和风入怀》中，盛放的荷花与残败的枯叶、残蓬同时共存。“我其实不喜欢用‘残败’来描述枯叶，在我眼里，枯叶有种倔强的美，比鲜叶更能打动我；残蓬里孕育的莲子更具有经年不衰的蓬勃生机。自然四时之变亦如人生欢喜别离。自然有他循环往复的规律，人生也有绚烂至极复归于平淡，峰回路转迎下一段旅途。”整幅画清寂朦胧，却又透出生机，正是她落笔时心绪的真实写照。

身兼湖北省国画院研究员、省美协工笔画艺委会委员等多重身份，李雪梅对湖北中国画群体的“地域性格”有着深刻的观察。她个人的笔墨语言——那种氤氲、朦胧、让物象退隐的风格，既与湖北画坛的灵气产生着“共振”，又保持着鲜明的独立性。

面对未来，李雪梅有着笃定的方向。她明确表示，接下来几年还是会一以贯之地选择水墨表达，不断精进与探索。但她坚定地划清了一条界限：“我的绘画一直不是抽象，也不会走向抽象水墨，它是‘意象’表达。”她强调，画的不只是眼睛看到的东西，更是心里感受到的东西，是以“意”成“象”。

从2008年的初露锋芒，到2026年《和风入怀》获直送全国美展复评，李雪梅的艺术之路步履不停。在未来，她希望自己能有更好更多的作品呈现出来与大家分享。不论时间如何流转，那份源于荆楚大地的灵秀与她在墨海中修得的豁达胸襟，终将交融汇聚，为湖北画坛留下一抹氤氲而坚韧的墨色记忆。