湖北省舞台艺术综合素质提升培训班学员心得体会（四）

发表时间：2026-07-03 来源：省文联文学艺术院 作者：

（第四期）

黎  初

武汉杂技艺术有限责任公司舞台艺术编创

已识乾坤大 犹怜草木青

多年前第一次听傅老师讲课，感受很深，获益良多，着实很难用某一个词总结。

那是在2021年的编剧骨干班。我们班上同学做什么的都有——戏剧、电视剧、动漫、电影，还有我这个搞杂技的，很有点百花齐放百家争鸣的意思。

傅老师有一种本事，他不分门别类，干净利落毫不留情地直接把我们所有人都扔进一个锅里，用他恐怖的知识面作为高超的厨艺，硬是让大家触类旁通，各取所长，最后成为一桌和谐的满汉全席。

时隔多年，带着许多新作品和新想法，再上傅老师的课，感受依然很深，但依然还是很难用一个词框住它。

就想到哪说哪吧。

“隔行如隔山”这句话我们常听，但傅老师的课就是有一种淡然的热血——山是用来翻的，不是用来挡着的。

他引用宗白华的《美学散步》，其实傅老师自己就是个“散步式”的学者——从北京美学七大家，走到西北秦腔的窑洞戏台；从苏轼的诗词，走到刀郎的流行音乐；从《礼记·乐记》的古老文字，走到北京舞蹈学院的古典舞教学体系。不端着，不预设，走着走着，突然停下来指给你看：这是儒家的中和，这是道家的天和，这是禅宗的空和。

你以为他在讲美学，其实他在讲世界观；你以为他在讲戏剧，其实他在讲如何做人。

我和同学说，每次听傅老师的课都有一种感觉——自己是一只坐在丰收仓库里的田鼠，突然被奔涌的食粮从四面八方淹没过来，一时竟不知该端着盆去哪边接……

最后发现即便站着不动，盆也会被装满。

宗白华说，中国画里人很小，融化在山水万物之间。傅老师讲这个的时候，我走了会儿神——因为我突然想到了我们杂技。

杂技演员其实是很有哲学感的一类艺术家，每一次上台，明明在极限边缘，却又能忘记此刻的危险，于震耳欲聋中寂静无声，于热闹欢笑中清醒疏立。正如傅老师讲的“天和”，艺术的最高境界不是征服，是融化。

技巧让人惊叹过又忘记，但其中的意境仍会让人记住。

我有时创作常会犯一个毛病——头绪太多。

想炫技，又怕观众看不懂，加多媒体，还怕不够多元，又塞各种跨界元素……听傅老师谈到“立主脑，减头绪”，聊到南宋梁楷画《李白行吟图》，几笔大写意，极度传神。

他说这叫“减”。 我想，或许有时选择一些“空”一点的叙事手法，作品会呈现另一种力量？

行吧，下次试试。

我很受触动的另一个点是，“视角”。

投影上那些照片——黄土高坡上的戏台，寒风里卸妆的演员，功德榜上一笔一画的捐款名单，听傅老师从《乐记》苏轼宗白华李泽厚，讲到西北民营戏班。

他讲那些一天演三场、住戏台、三伏天穿着厚戏服演着演着就中暑抬下来的艺人。讲4个合伙人撑了30年，7个孩子只有1个还在学戏。讲他们为了多挣三十块钱，演完主角马上换衣服上去跑龙套，连吃根黄瓜的时间都没有，只能叼在嘴里用牙咬着。讲那个功底极好的武生，为了在县城买房娶媳妇，不得不转行去西安卖车。

傅老师语速不快，语气也不煽情。

他说：“习近平总书记说要把两新文艺工作者变成党的文艺有生力量，我们是要做事的。”

这段话傅老师其实讲得很平实，但我听到了一种稳健如山的分量。

见过世界上最好的戏剧、最顶尖的艺术家、最深奥的理论，但他没有停在莫斯科、圣彼得堡、伦敦西区……他依然会带我们把目光投向那些黄土高原上、庙会里、带我们看见快散了的民营戏班。

我曾听过一个很有意思的说法，说现如今AI能力蓬勃疯长，未来的时代，艺术家们什么最重要？答案是：审美力。

不管是硅基生命的觉醒，还是人类再一次文艺复兴，拼到最后拼的都是“审美力”。

审美力不是看一个人画功多高深、舞技多绝妙，歌喉多优美…… 是我们在面对一堆素材、一堆技术、一堆可能性的时候，我们能不能做出那个“对”的选择。

如今AI能生成一万种方案，但好的审美力，大抵能让我们不至迷失。

傅老师的课让我感受到，他在干的事，就是不遗余力地提升我们的审美力。

不会给我们答案，不会告诉我们“这个好，这个不好”，是让我们在混沌中长出判断的直觉。

要做到这一点，光坐在书斋里是不够的。要“散步”，要“和”，要“打通”，要“在场”。

走出教室的时候，我想起课上谈到苏轼的诗“也无风雨也无晴”。

我们搞创作，终究要从课堂回到自己的排练场、舞台、书桌。怎么把知识转化为力量，怎么把技术化成有温度的呼吸？怎么在乱花渐欲迷人眼的AI时代，守住核心与时俱进？怎么打通所有，让身体、光影、声音，都“中和”成为一个有生命力的整体？

这些问题没有现成答案，但可以慢慢去学，去试。

我们一生会遇到各种各样的老师。有些老师教会我们技术，有些老师指导我们方向。着实幸运。

至于傅老师……

像坐在雾里时，突然听见有人敲了敲玻璃窗。

于是我抬头，看到了广袤新世界。

没有然后。

因为傅老师只是边散步边指给你看：那里有扇窗。

你得自己决定要不要推开。

张烨华

湖北壹画影业有限公司导演、编剧

第二期培训听唐奇老师的“器物美学”课，让我跳出单纯赏瓷器的浅层认知，认识了陶瓷形制与富含时代文明的纹饰，纹饰的演变脉络传达各朝代的兴衰历史文化演变。器型始终依托古人生活习惯、饮茶宴饮礼仪与社会礼制不断革新，兼顾实用功能与陈设审美；如同舞台物美的设计，根据故事背景，故事发展，人物内心转变，从而舞台的舞美“服、化、道”如同器具的纹样一样都要发生改变。器具从原始简约的几何线条，逐步发展出花鸟、龙凤、山水及各类吉祥图案，折射各时代审美取向、民俗寓意，也见证不同时期文化交融的痕迹。

舞台舞美设计也是一样，时代背景改变，整个舞台物美装饰都得改变，从物美的视觉来向观众传达故事的发展进程。课程阐释器型为骨、纹饰为魂的器物美学内核，二者相辅相成，我将借鉴传统陶瓷审美逻辑，将古典纹样与造型韵律融入今后的舞美创作，打造兼具文化底蕴与视觉层次的舞台效果，推动传统美学现代表达。

第三期培训傅亦轩老师讲授《中华美学精神与新时代文艺创作》。早在2023年我就听过傅老师的课，生动又具体，我非常喜欢听。本次培训的再次聆听，使我对中华美学的时代内核与新时代文艺创作的准则有了不一样的认识，更进一步清晰了传统美学与当代文艺创作融合的核心路径，让我收获了极具实操性的戏曲剧本创作理念。

我个人认为傅老师今天的课是立足“两个结合”根本要求，梳理中华美学精神发展脉络，打破了传统美学陈旧、刻板的认知，阐明中华美学并非陈旧的理论概念，而是根植民族文脉、适配时代发展的精神内核，是新时代文艺创作的根基与灵魂。

课程内容核心，强调新时代文艺创作必须坚守中华文化立场，传承含蓄空灵、意境悠远、情理相融的中华审美风范，同时理性看待西方戏曲美学的传入与影响，摒弃盲目照搬西方审美、脱离本土文脉的创作误区。近代以来，西方戏剧的写实叙事、冲突架构、人物刻画体系传入国内，对中华传统舞台美学形成一定冲击，也推动了传统文艺的革新。不同于中式美学重写意、重气韵、重意境留白的特质，西方戏曲侧重写实具象、戏剧冲突与逻辑叙事，这种美学差异为中国文艺创作提供了全新思路，让现代舞台作品跳出传统程式化束缚，叙事更饱满、人物更立体。

傅老师结合经典作品佐证美学融合的价值，除《窦娥冤》《琵琶记》《永不消逝的电波》等作品外，曹禺的经典话剧《雷雨》便是中西美学融合的典范。作品借鉴西方戏剧的写实手法与强烈的矛盾冲突架构，精准刻画人物命运与时代悲剧，却又根植中式审美内核，以含蓄的情感表达、宿命式的意境氛围、家国伦理的中式内核，摆脱了西方戏剧的生硬模板，实现西方叙事形式与中华人文美学的完美融合。

同时课程强调，中华美学传承绝非简单复刻传统形式，也不是盲从西方美学，而是立足当代审美，兼容中外、守正创新，完成传统文化的创造性转化与创新性发展，让传统美学适配新时代大众的审美需求，传递正向的时代精神与文化价值。

本次课程为我今后舞台创作带来诸多关键启发，革新指明了方向。其一，创作需扎根文脉，坚守中式美学核心。深挖传统戏曲、古典舞蹈、传统意境中的美学精髓，将留白、写意、气韵生动等中式美学特质融入舞台编排、舞美设计与情感表达，打造具有中国辨识度、彰显民族风骨的舞台作品。

其二，坚持兼容并蓄，理性借鉴西方美学。借鉴西方戏曲写实叙事、冲突塑造的优势，弥补传统中式舞台叙事平淡、形式单一的短板，如同《雷雨》一般，以西式技法赋能中式表达，让作品兼具叙事张力与东方意境。

其三，坚持内容与形式统一，摒弃重物理舞台特效轻内涵、重噱头轻底蕴的浮躁创作风气，以真实情感、时代故事为内核，让舞台艺术兼具审美质感与思想温度。同时立足时代语境创新表达，结合现代舞台技术与年轻化演绎方式，活化传统美学，贴合当代观众审美，让舞台作品既守文化根脉，又彰显新时代文艺风貌。

总而言之，新时代舞台创作当以中华美学为魂、时代创新为形，坚守文化自信，深耕传统、贴合时代，创作出有底蕴、有温度、有风骨的舞台艺术精品佳作。

王子缘

湖北联影创艺文化传媒有限公司制片人

参加本次培训班，聆听了文物保护、数字考古、器物美学、戏剧理论等多领域专家授课，作为一名影视从业者，深感跨学科的知识碰撞为创作打开了全新视野，既有文化根脉上的深层滋养，也有创作技法上的切实启发。

首先是挖掘到了题材与叙事的新矿脉。简牍从出土清洗、脱色脱水到入库保存的完整“复活”流程，克孜尔石窟壁画的千年沉浮与数字化修复，本身就是极具戏剧张力的创作母题。文物修复“望诊、开方、施术、保养”的严谨逻辑，承载着一代代文保人的坚守，是现实题材的优质素材。而石窟独特的空间叙事智慧——中心柱窟顺时针的礼佛动线、天界-人间-涅槃的垂直分层设计，也可转化为影视创作的场景调度思路，让空间成为叙事载体，而非单纯的视觉背景。

其次是找到了传统美学的当代转译路径。明清外销瓷中西融合的演化逻辑、汉紫与汉蓝的独特色彩美学，为影视美术、妆造设计提供了具象灵感。外销瓷“开光构图”“纹样本土化转译”的思路，可借鉴到服化道的细节设计中；汉紫汉蓝既承载着千年工艺的神秘感，又兼具人工合成的独特质感，既能用于历史正剧的色彩体系构建，也能在奇幻、科幻题材中实现传统色彩的当代表达，打破影视视觉符号的同质化困境。

最后是深化了叙事创作的守正创新认知。戏剧理论中李渔“结构第一”的创作法则，与西方锁闭式、开放式结构的对比分析，提醒我们既要吸收西方叙事的精密节奏，也要承接中国传统叙事的气韵。将“起承转合”的东方叙事节奏与现代影视的叙事密度结合，以“立主脑”锚定核心表达，以“密针线”打磨细节伏笔，才能让作品既有强戏剧张力，又保有中式美学的余韵。

归根结底，创作的底色是中华美学精神。未来我会将这些跨领域收获转化为具体创作实践，用影视语言活化文化遗产，实现传统美学的当代表达。

张  静

武昌理工学院影视传媒学院表演系主任

让传统戏曲“活”在当下

在第二期培训中，周丽玲老师的授课令我深受触动。周老师结合自己二十年来与湖北地方戏曲传播结缘的亲身经历，讲述了从戏曲传承到打造“九凤IP”的探索历程。

“九凤”这一文化IP的诞生，源于对上古经典《山海经》中九头凤鸟传说的挖掘，并融合了湖北地方文化与地方戏曲元素。周老师团队以“时代性、地方性、青年性”为核心设计理念，运用数字建模、AI交互等前沿技术，将传统戏曲文化转化为可触摸、可带走的文创产品——从九凤形象的徽章、明信片到抱枕、帆布袋，从面部彩绘到“九凤AI对话”。这些探索让古老的戏曲文化以年轻人喜闻乐见的方式重新走进大众视野。

听完这堂课，我深刻认识到：传统文化的传承不能停留在“博物馆式”的保护，而需要“创造性转化、创新性发展”。周老师团队的实践告诉我们，非遗传承的关键在于找到传统与现代的接合点——既要守住戏曲文化的根脉，又要敢于用新的媒介、新的表达去激活它。作为文艺工作者，我们应当思考如何将自己所从事的艺术门类与时代接轨，让传统文化在创新中焕发新生。九凤IP的成功经验启示我：地方戏曲的传播不能固守一隅，而要主动拥抱数字技术、融入青年群体，让传统艺术真正“活”在当下。

以中华美学精神引领文艺创作

傅亦轩老师的授课以《中华美学精神与新时代文艺创作》为题，系统梳理了中华美学精神的发展主脉，阐述了其作为文艺创作灵魂的精髓要义与实践要求。

傅老师从“儒道互补、和谐统一”的主脉出发，深入剖析了儒家“中和”、道家“天和”、禅宗“空和”的美学思想。他紧密结合“双百”方针、“二为”方向、“两创”方略，通过舞蹈、音乐、戏曲、影视等多领域典型案例，生动解读了中华美学讲求“托物言志、寓理于情”“言简意赅、凝练节制”“形神兼备、意境深远”以及强调“知、情、意、行”相统一的科学内涵。傅老师还别出心裁地采用分组形式教学，引导学员在互动中深化理解。

这堂课让我重新审视了自己的文艺创作实践。中华美学精神不是抽象的理论，而是可以指导具体创作的灵魂与准则。傅老师强调，文艺作品要深入挖掘传统文化素材，体现托物言志、形神兼备的要求。这启示我：在新时代的文艺创作中，我们不能一味追求形式的新奇而忽略精神的底蕴，而应当在传承中华美学精神的基础上守正创新，让作品既有时代气息又有文化厚度。作为文艺工作者，我们有责任赓续历史文脉、谱写当代华章，创作出更多体现中华美学精神的优秀作品。

高  琪

湖北青歌歌舞团团长

虽因行程原因遗憾错过第二期培训，但通过第一期与第三期系统、深度的专题学习，我在传统美学认知、文艺创作理念、舞台创作思维等方面都得到了全面提升，让我跳出日常排练与创作的固有思维，真正做到了开阔眼界、夯实底蕴、更新认知，受益匪浅。

在往期课程中，肖捷老师关于克孜尔石窟的讲解，彻底改变了我对石窟艺术的浅层认知。从前观赏石窟壁画，仅停留在画面精美、色彩独特的视觉感受，却从未读懂其背后完整的空间叙事逻辑。老师提出的石窟“从天界到人间”的观看路径，是古人精心设计的“空间剧本”，让我深受启发。舞台艺术创作亦是如此，所有舞美布局、场景调度、画面层次，都应当服务于叙事、服务于剧情、服务于主题，而非单纯的装饰堆砌。

方北松老师讲解的文物竹简修复理念，也让我对“传承与创新”有了全新理解。文物修复讲究原真性、可识别性，尊重本源、不妄改、不臆造。这一理念与文艺创作高度契合：新时代艺术创新，不是颠覆传统、凭空创作，而是在尊重历史、敬畏传统的基础上进行活化创新，守住根脉、适度突破，让传统艺术在新时代拥有全新表达。

在第三期培训中，傅亦轩老师《中华美学精神与新时代文艺创作》专题课程，为我的专业创作带来了颠覆性、指导性的提升。傅亦轩老师的课程内容生动翔实、逻辑清晰，我早已慕名学习，本次再度聆听，让我对中华美学精神与新时代文艺创作准则有了更系统、更深刻的认知，彻底打破了我对传统美学老旧、刻板、晦涩的固有印象。

课程系统梳理了中华美学千年发展脉络，立足“两个结合”根本要求，深度解读了儒家“中和”、道家“天和”、禅宗“空和”的东方美学内核。中华美学讲究含蓄空灵、意境悠远、情理相融，是一种气韵生动、留白写意、只可意会不可言传的高级审美，是根植民族文脉、贯穿古今的精神底色，更是新时代文艺创作的根基与灵魂。傅老师结合冬奥会二十四节气倒计时、民间音乐现代化创新等鲜活案例，让我深刻意识到：中华美学从来不是束之高阁的理论，而是鲜活、实用、贯穿当代创作的美学力量。

同时，课程辩证剖析了中西美学的差异与融合之道。西方戏剧侧重写实具象、强冲突、强叙事逻辑，而中式舞台重在写意、气韵、意境留白。近代以来西方戏剧体系传入国内，虽对传统戏曲舞台美学形成冲击，但也极大地推动了中国文艺的革新升级。傅老师以《雷雨》《窦娥冤》《琵琶记》《永不消逝的电波》等经典作品为例，清晰阐释了中西合璧、守正创新的创作真谛：优秀的新时代作品，应当借鉴西方写实叙事、人物塑造、戏剧冲突的优势，弥补传统舞台叙事单薄、程式固化的短板；同时牢牢坚守中式审美内核，保留东方情感、人文伦理、意境格局，拒绝盲目照搬西方审美、脱离本土文脉的创作误区。

课程中关于戏剧创作结构的讲解，对舞台编导工作极具实操价值。李渔提出的“立主脑、减头绪、密针线”，以及“凤头、猪肚、豹尾”的创作法则，历经百年依旧是舞台创作的黄金标准。这让我明白，舞台创作不能只凭经验和感觉，必须有章法、有逻辑、有结构，做到开篇抓人、中段饱满、结尾升华，让作品结构严谨、主题鲜明、层次清晰。

通过本次全套培训学习，我深刻总结出新时代文艺创作的核心方向。

第一，守正固本，扎根中华美学根脉。创作始终坚守中华文化立场，深挖传统戏曲、古典美学、非遗文脉中的写意气韵、留白意境、东方风骨，打造具有中国特色、中国风格、中国气派的舞台作品。

第二，兼容并蓄，善用中西融合思维。理性借鉴西方舞台创作优势，以西式技法赋能中式表达，让作品兼具叙事张力与东方意境。

第三，拒绝浮躁，深耕内容与内涵。摒弃重特效、重噱头、轻底蕴、轻情感的浮躁创作风气，坚持内容为王、情感为本、时代为魂。

第四，与时俱进，做好传统活化创新。用年轻化、现代化、技术化的舞台语言，讲述传统故事、传递东方美学，让传统文化真正走进当代观众心中。

此次系列培训，是一次美学的充电、思想的洗礼、专业的拔高。今后我将把本次所学、所思、所悟充分运用到舞台创作、剧目编排、舞美设计工作中，坚持守正创新、深耕文脉、立足时代，不断提升自身艺术素养与创作能力，用心打磨精品舞台作品，真正做到以传统为根基、以美学为灵魂、以时代为底色，努力成为新时代优秀的文艺工作者，为中华优秀传统文化的传承与创新贡献自己的力量。

杨健健

武汉千律文化传播有限公司策划

三期培训结束了，说实话还挺舍不得的。虽然第二期因为行程冲突没能参加，但第一期和第三期的课程已经让我觉得这次学习特别值。

第一期给我印象最深的是肖捷老师讲的克孜尔石窟。以前看石窟就是看热闹，觉得壁画好看，但从来没想过它背后那套完整的空间叙事逻辑。他说石窟里“从天界到人间”的观看路径，其实就是古代人设计好的“空间剧本”，这个说法一下子点醒了我。我们是不是也可以借鉴这种思路？方北松老师讲竹简修复那堂课也很有意思，他说修复讲究“原真性”“可识别性”，我听完就在想，其实我们搞创作不也是吗，怎么在尊重传统的基础上做出新东西，道理是相通的。

第三期傅亦轩老师讲中华美学精神，从儒家的“中和”到道家的“天和”再到禅宗的“空和”，我一边听一边想，这不就是我们平时说的那种“只可意会不可言传”的感觉吗？后来讲到冬奥会开幕式用二十四节气做倒计时、刀郎把民间音乐和流行音乐结合在一起，这些例子特别接地气，让我觉得中华美学不是高高在上的理论，而是活在我们日常创作里的东西。

戏剧结构那部分对我这个编导来说特别实用。李渔说的“立主脑”“减头绪”“密针线”，听起来是几百年前的话，但放到现在做剧本照样管用。还有那句“凤头猪肚豹尾”，说的不就是一出戏该怎么抓人、怎么饱满、怎么收得漂亮吗？以前做戏更多凭感觉，现在心里算是有把尺子了。

三期下来，最大的感受就是：我们不能光埋头干活，还得时不时抬头看看老祖宗留下的好东西，再想想怎么用今天的语言讲给今天的观众听。感谢这次培训，也谢谢每一位老师的用心讲授，接下来就是把这些想法真正用到创作里了。

石泽旭

武汉京剧院有限责任公司舞美装置

第二期课程聆听唐奇老师关于《从“昌南”到“china”：器物美学视域下的明清外销瓷器型与纹样之演化》的精彩讲授。唐老师从风起海上的陶瓷出口历史、器型之变中的中西合璧，以及“汉紫”“汉蓝”的舞台创意应用三个维度，为我们展开了一幅波澜壮阔的器物美学画卷，极大地丰富了我的艺术修养，也拓展了我的思考空间。

唐老师带领我们回望了明清外销瓷乘风破浪的历史。三亿件中国瓷器在欧洲登岸，瓷器作为第一件全球化商品，不仅承载着精湛的工艺，更打破了疆域，将世界紧密相连。这让我深刻认识到，中华美学从来不是孤芳自赏的，它有着兼收并蓄、走向世界的宏大格局。

明清外销瓷并非一成不变的抱残守缺，而是根据西方人的生活特点，开发出色拉碟、马克杯等全新产品，甚至将中国传统造型与西方经典图案巧妙杂糅。这种中西合璧的样式变化，生动诠释了中国人海纳百川的胸怀。器物美学不仅是泥土与烈火的艺术，更是不同文明交流互鉴、相互影响的鲜活见证。

随后，唐老师分享了“汉紫”与“汉蓝”在舞台中的创意应用，为传统美学注入了当代的生命力。古老的色彩与纹样跨越千年，在现代光影与舞台语汇中重焕生机。

此次讲座不仅是一次知识的洗礼，更是一场美学的启迪。从“昌南”到“china”，变的是器型与纹样，不变的是中华美学生生不息的创造力。在未来的学习与创作中，我将带着这份启发，用心感悟器物背后的文化温度，努力在守正创新中拓展自己的艺术边界。

下午，湖北大学周丽玲老师带来的《九凤来仪，余心所向——以“九凤·九小泡”照见非遗路上的同路人》主题讲座。周老师深耕非遗保护与地方戏曲传播二十余载，她将传统戏曲视觉化转译与AIGC技术相融合，为我们呈现了一场传统与现代交织、热爱与坚守共鸣的文化盛宴。

讲座中，周老师深情回顾了自己与戏曲结缘的历程，以及团队获得国家文化创新基金的背后故事。她用自己的亲身经历告诉我们：想要有创新，就必须不断积累，步履不停，只要坚持走下去，必会遇到知音与机会。这份对传统文化的执着与热爱，在快节奏的当下，能够二十年如一日地坚守在非遗传播的道路上，本身就是一种令人敬佩的“匠心”。

“九凤来仪，余心所向。”周老师的讲座不仅让我对非遗文创有了全新的认知，更让我明白了传承的真谛。非遗传承不必墨守成规，用创新为传统文化赋能，既能激活传统艺术的生命力，又能让非遗以更有趣的方式融入现代生活。作为新时代的青年，我们理应成为这条路上的“同路人”，将热爱的传统元素现代化、年轻化，为中华优秀传统文化的传播与传承贡献自己的一份力量。

守正创新：让中华美学在新时代绽放光彩

第三期课程聆听了傅亦轩老师关于《中华美学精神与新时代文艺创作》的专题讲座，内心深受触动。

傅老师以“儒道互补、和谐统一”为主脉，将儒家“中和”、道家“天和”与禅宗“空和”的美学思想娓娓道来，并结合舞蹈、戏曲、影视等领域的生动案例，系统解读了中华美学“托物言志、寓理于情”“言简意赅、凝练节制”“形神兼备、意境深远”的科学内涵。这不仅是一场理论深厚的思想洗礼，更为我们在新时代如何践行“守正创新”指明了方向。

守正，是新时代文艺创作的根与魂。中华优秀传统文化是中华民族的精神命脉，而中华美学精神则是这一命脉在审美领域的集中体现。正如傅老师在讲座中所强调的，我们在创作中必须坚守中华文化立场，传承中华文化基因。无论是《只此青绿》中对千里江山图的诗意重构，还是《长安三万里》中对大唐气象的浪漫再现，这些频频“破圈”的精品，无一不是扎根于深厚的传统文脉，从浩瀚的历史中汲取营养。只有守住这份“正”，我们的文艺创作才不会在多元文化中迷失自我，才能在世界舞台上展现出魅力的“中国风”。

创新，是让中华美学永葆生机的不竭动力。守正绝非一成不变，而是要秉持客观、科学、礼敬的态度，对传统文化进行创造性转化、创新性发展。傅老师也指出，中华美学精神具有强大的精神活性，它不是凝固僵化的教条，而是存在于时间之中、生活之中不断流动发展的过程。新时代的文艺工作者应当以“古人之规矩，开自己之生面”，将中华美学精神与当代审美追求紧密结合。例如，将传统戏曲与现代舞台技术相融合，或是用现代影视语言讲述古老的神话故事，让传统文化的内涵更好更多地融入现代生活。

“以古人之规矩，开自己之生面。”此次讲座让我深刻认识到，在未来的道路上，我将把所学所感化为实践，以中华美学精神为指引，在守正中一路前行，在创新中激发活力，让中华美学在新时代绽放出更加绚丽的光彩。

周  蕊

武汉市江夏区文化馆活动部负责人

打通文化创新的“任督二脉”

有人说，舞台艺术培训教的是“技法”，我却觉得，它打通的是“心法”。短短数日，从器物美学的跨文化流变，到非遗IP的数字化激活，再到中华美学精神的源流梳理，每一堂课都像一把钥匙，打开了之前未曾察觉的门。作为扎根基层的文化工作者，我带着困惑而来，带着收获而归。

一、立骨·器以载道：在千年流变中打捞文化转化的密码

唐奇老师讲明清外销瓷，从“风起海上”的贸易脉络到“中西合璧”的样式融合，从克拉克瓷的开光技法到纹章瓷的定制流程，再到广彩瓷的色彩艳丽的二次创作，一幅横跨数百年、联通东西方的文化对话图景徐徐展开。最令我震撼的是“汉紫”“汉蓝”的失传与重现，两千年前的人工合成色料，今天竟能在舞台妆造中焕发新生。陶瓷、色彩，这些不是冰冷的器物，而是“活着”的文化档案。

“器以载道”，器物承载的从来不只是功能，更是一个时代的审美、技艺和世界观。这不由让我想到江夏的湖泗窑：千年窑火沉寂已久，但那些釉色、器型、烧制技法，是否也像外销瓷一样，藏着等待被翻译的文化密码？回到岗位，我想试着以器物美学的视角重新审视湖泗窑，把它从文保单位的档案里“请”出来，转化为可感知的文化符号。这不是复古，而是如朱熹所言“问渠那得清如许，为有源头活水来”——找到文化的源头活水，才能让它重新流动起来。

二、破壁·跨界共生：非遗IP化需要找到对的“转译”方式

周丽玲教授分享的“九凤”IP案例，是这次培训最让我豁然开朗的一课。她把湖北人骨子里的“九头鸟”文化基因，用数字化、年轻化的方式彻底激活了。打破边界、聚合力量，实现了高校、戏曲和新媒体的三方融合。“九凤”不是凭空造出来的，而是从本土文化里“长”出来的。它让我意识到，非遗从来不是老古董，找对方法就能变成年轻人追捧的潮流符号。

我们缺的不是文化资源，而是一种“转译”的能力：把传统的语言翻译成当代的语法，把静态的遗产编码成动态的IP。江夏的金口草把龙、谭门京剧，又何尝不是等待“转译”的文化富矿？“美学之父”鲍姆嘉通说“美学是感性认识的完善”，传统文化与当代审美的对话，本质上就是一场感性与理性的和解。“周虽旧邦，其命维新”，传承从来不是故步自封，而是找到新的语言重新讲述。

三、问道·守正创新：在“之间”的创造性空间锻造精品

傅亦轩老师的《中华美学精神与新时代文艺创作》和《戏剧结构与戏剧美学》两门课，纵横古今、融贯中西，真正打开了思路视野。他从儒道互补的“中和”“天和”“空和”三条主脉切入中华美学精神，又结合经典作品剖析戏剧结构——从《俄狄浦斯王》的锁闭式到《茶馆》的人像展览式，从李渔“结构第一”到乔梦符“凤头猪肚豹尾”，既有理论高度又有实践温度。

傅老师提出，当代戏剧的使命不是在中西之间“二选一”，而是在“之间”创造新的可能——让戏剧既有“意境”的余韵，又有“崇高”的震撼。苏东坡说“博观而约取，厚积而薄发”，戏剧结构的“道”与“术”，背后是创作者对世界、对生命的理解方式。基层舞台虽小，但若能守中华美学之正，创当代表达之新，一样可以锻造出打动人的作品。“志不求易者成，事不避难者进”，创作之路从无捷径可走。

两期的学习让我愈发坚信：创作没有捷径，对每一件作品报以敬畏之心，才是正道。回到江夏，回到熟悉的基层文化岗位，我将把器物美学的转化思维、非遗IP化的跨界方法、中华美学精神的守正创新，一点一滴用到工作中去。知不足而奋进，望远山而前行。越是学习，越觉自己浅薄；越是走得远，越知天地辽阔。培训虽已结束，但属于我的“新征程”才刚刚开始，我将带着在这里学到的“法”，回到基层的土壤中去生根、去生长。

费  成

大冶市艺术剧院党支部副书记兼舞美主任

近期，我有幸聆听唐奇、周丽玲、傅亦轩三位老师的专题授课，内容涵盖器物美学、非遗传播、文艺创作等多个领域。三场讲座层层递进、意蕴深厚，既追溯中华传统美学的千年文脉，又立足新时代创新发展路径，让我对传统文化的传承、转化与创新有了更为系统、深刻的认知，收获颇丰、备受启迪。

唐奇老师的讲座以器物为载体，解锁了中华美学的对外传播密码。从“昌南”到“china”，一枚枚明清外销瓷器，不仅是古代贸易的商品，更是跨越山海的文化名片。老师细致拆解了明清外销瓷器型与纹样的演化脉络，其在保留中式花鸟、山水、人物故事等传统纹样的基础上，融合西方洛可可、巴洛克艺术风格，实现了中西美学的兼容共生。同时，汉紫、汉蓝等传统古色在现代舞台妆造中的创意应用，让千年古色走出古籍古物，融入当代艺术场景。这让我明白，传统美学从不是固化的古董，而是可活化、可创新的鲜活资源，古今融合、中西互鉴，正是传统文化焕发新生的重要路径。

周丽玲老师关于湖北非遗小剧种IP化的分享，让我读懂了非遗传承的守正与拓新。地方小剧种是地域文化的鲜活载体，承载着一方水土的人文底蕴与民俗风情，却一度面临传播小众、传承乏力的困境。老师提出的非遗IP化构造与传播实践，打破了传统非遗“固守老宅、闭门传承”的局限，以现代化、市场化的传播思维，为小众非遗搭建展示平台。这启示我们，非遗传承既要守住艺术内核、保留文化本真，也要主动拥抱新时代传播方式，用年轻化、大众化的语态讲好地方非遗故事，让小众传统文化走进大众视野、焕发时代活力。

傅亦轩老师的授课立足宏观视角，阐释了中华美学精神与新时代文艺创作的深层关联。老师从戏剧结构与戏剧美学出发，点明新时代文艺创作的核心，是扎根中华美学根基、坚守文化初心，同时契合时代发展脉搏。优秀的文艺作品，既要传承古典美学的意境、气韵与精神内核，又要创新表达形式、丰富叙事结构，让传统美学精神赋能新时代文艺创作，实现文脉传承与时代创新的有机统一。这为我们理解文艺创作、践行文化创新提供了根本遵循。

此次学习让我深刻认识到，中华文化博大精深，文化传承贵在守正创新。作为新时代文艺工作者，我们既要深耕传统文脉，汲取古人的美学智慧与文化底蕴，也要勇于突破创新，探索传统文化现代化转化的新路径。未来，我将以此次学习为契机，主动传承、传播中华优秀传统文化，以青春之力赋能文化创新，让千年美学文脉在新时代生生不息、薪火相传。

朱玉琴

汉口学院专职教师

如期而至的第三期来了，这一次我们通过系统学习傅亦轩老师主讲的《中华美学精神与新时代文艺创作》《戏剧结构与戏剧美学》两门课程，让我对中华美学精神的当代转化以及戏剧创作的内在规律有了更深层次的理解，受益匪浅。课程系统梳理了儒道释“中和”“天和”“空和”的美学脉络，让我深刻认识到，中华美学讲求托物言志、寓理于情，讲求言简意赅、凝练节制，讲求形神兼备、意境深远。

作为一名音乐剧专业的教师，我意识到音乐剧这一舶来形式完全可以与中华美学精神深度融合——在唱词上追求凝练诗意，在表演上追求形神兼备，在情感表达上追求“乐而不淫，哀而不伤”的中和之美。《戏剧结构与戏剧美学》一课令我印象尤为深刻。课程从李渔“结构第一”、乔梦符“凤头猪肚豹尾”到范梈“起承转合”，系统阐释了中国叙事“道—象—器”三层结构智慧；同时对比分析了西方锁闭式与开放式结构。

这种中西对照的学习方式，让我在教学和创作中有了更清晰的参照坐标。特别是课程中提出的“以西方结构的‘骨骼’承载中国美学的‘血肉’”这一融合路径，对我今后从事音乐剧创作与教学具有直接的启发意义。作为汉口学院的一名表演教师，我将把此次研修所学融入课堂教学与艺术实践中，积极探索具有中国审美风范的音乐剧创作道路，努力做到“守正创新”，为新时代舞台艺术人才培养贡献自己的力量。