湖北省舞台艺术综合素质提升培训班学员心得体会（第一期）

发表时间：2026-06-29 来源：省文联文学艺术院 作者：

学员心得体会（第一期）

胡  龙

湖北省歌剧舞剧院舞美道具师

第二期唐老师从“昌南”到“China”的课程，如同一把钥匙，打开了我对中国瓷器与文化传播的全新认知。这不仅是一次知识的传递，更是一场关于民族身份与文化自信的深刻对话。

课程清晰地梳理了从汉代开启海上丝绸之路，到唐代大量瓷器销往海外，直至明代晚期流入欧美国家的历史脉络。我深刻认识到，“瓷器”不仅是器物，更是文明的载体。它通过贸易路线，将东方的审美与工艺带向世界，最终让“昌南”演变为世界的“China”。

更令我触动的是，课程揭示了“瓷器”与“汉瓷”在器物中的运用关系，让我意识到从“器物”到“符号”的具象表达。这种从具体到抽象、从物质到精神的认知跃迁，正是文化传承的核心所在。

这次学习让我明白，设计不仅仅是形式的创造，更是文化的转译。我们需要学会提取与转译颜色、纹样等视觉元素，并将其与相关的情绪之间建立深刻联结，再延伸到舞动的渲染——这不仅是设计的语言，更是文化生命力的延续。

九凤，源自《山海经》中“九首人面鸟身”的神祇，是楚人尊崇的图腾，象征着生命力的旺盛与沟通天地的灵性。在设计初期，我们不能仅停留在图形的表面模仿，而应深入挖掘其背后的叙事逻辑。

正如课程中所言，设计思维需要“从虚到实”的完整表达。这意味着我们要将抽象的“楚文化精神”（虚），转化为具象的视觉符号和产品形态（实）。这种转化不是简单的拼贴，而是对地域风格与历史脉络的深度理解与重构。

“在地性”是本次学习的核心关键词。对于湖北地区的创作者而言，九凤不仅仅是一个IP，更是家乡的文化名片。如何在后期创作中更好地把握这一独特的叙事逻辑？我认为关键在于“共情”与“创新”。

符号的现代转译：提取九凤的羽翼、色彩等核心元素，结合现代审美进行简化与重组，使其既保留传统韵味，又符合当代年轻人的审美偏好。

情感的深度联结：设计不仅仅是视觉的传达，更是情感的共鸣。通过九凤IP，讲述湖北故事，唤起人们对这片土地的记忆与热爱，让设计成为连接过去与未来的桥梁。

周老师的分享让我们看到，一个成功的IP创作，往往伴随着完整的产业链思维。从形象设计到衍生品开发，再到文化空间的营造，九凤IP有望成为一个文化生态的入口。

作为设计者，我们应当具备全局视野，不仅要关注单点的设计突破，更要思考如何通过设计赋能产业，推动传统文化创造性转化与创新性发展。让九凤不仅飞在神话里，更飞进我们的日常生活中，成为湖北文化自信的生动注脚。

设计是文化的容器。从昌南的瓷韵到九凤的飞翔，这次学习让我明白，优秀的设计师应当是文化的翻译者与历史的讲述者。在未来的创作中，我将尝试以更敏锐的视角去捕捉那些隐藏在历史尘埃中的文化碎片，用设计赋予它们新的生命，让传统在现代语境下焕发新生。

第三期关于“中华美学精神与新时代文艺创作”的学习，让我深刻认识到：中华美学不是书本著作里冰冷的文字与图案，而是流动的、活的传统。它既是我们回望历史的眼睛，更是我们面向未来的翅膀。

在当代舞台创作中，我们既要汲取西方戏剧严谨的结构分析（关于系统与功能的精密框架），更要注入中华美学丰盈的“血肉”——那种源自“气韵生动”的意境、那种虚实相生的美学自觉、那种对“留白”与“想象”的无限信任。让理性的框架因感性的浸润而变得柔软，让感性的表达因理性的支撑而更具力量。

最终，舞台设计者的角色，更像是一位文化的翻译者与时空的架构师。我们一手握着现代声光电的“器”，一手牵着传统审美精神的“道”。我们的任务，是在理解西方结构科学的基础上，重新激活并转译本土的结构智慧，让古老的哲学观念在当代的视觉语言中重获新生。

当帷幕拉开，灯光亮起，那呈现在观众眼前的，不应只是物质的布景，而应是一个可以呼吸、可以对话、可以承载思想与情感的哲学空间。这，便是中华美学精神在当代舞台创作中的核心要义：设计之道，始于哲学，成于结构，终于一场无声却磅礴的舞台对话。

周  正

湖北省华夏艺术传播研究院宣传委员

第二期的课程，是一次难得的视域拓展。上午唐奇老师以明清外销瓷为研究载体，把器物美学和舞台艺术打通。从昌南瓷器走向世界成为“china”，再到中西合璧的纹样演变，古人兼容多元审美的创作思维令人深受启发。尤其是汉紫、汉蓝这两种古矿物颜料，为传统题材的视觉创作找到了独属于中式审美的色彩表达。千年前匠人根据海外受众调整器型纹饰，这一思路也恰好给予我们启发，挖掘传统文化，要贴合时代需求做好转化创新。

下午周丽玲老师围绕本土非遗IP打造展开分享，以“九凤”长线IP为鲜活案例，聚焦戏曲的活态传播。课程跳出单纯的戏曲表演研究，探索高校社团、戏曲行业与新媒体三方融合的新模式，把荆楚非遗资源转化为年轻化的文化产品。这让我深刻明白，深耕荆楚文化不能只守着老套路，只有打破行业边界、聚合多方力量，才能让地方非遗在数字化时代找到新出路。

第三期傅亦轩老师的授课，带领我们走进经典研学，筑牢文艺创作的美学根基。课程紧紧围绕中华美学精神与新时代文艺创作，视野开阔且不拘泥于舞台剧目。除戏剧结构理论之外，老师还结合秦腔、台湾木偶戏、舞剧等，以电视剧《主角》为例，层层拆解传统文艺如何适配当代大众。很多内容看似跨门类，实则都是在引导我们跳出固有专业局限，从多元文化中吸收养分。无论是戏曲、影视还是民间艺术，核心都在探索传统文化的现代表达，这也让我对“深挖荆楚文脉、服务舞台创作”有了更丰富的思考。

三期学习层层递进，从器物美学、本土非遗再到中华美学精神，不断拓宽我们的知识边界，涵养人文内功。过去我们常常局限在自身专业内闭门创作，而这次培训真正打开了跨领域的眼界。文脉传承的接力棒交到我们这一代文艺从业者手中，未来我会把课堂所学落到实践中，沉下心挖掘荆楚本土文化资源，打破行业壁垒，用创新形式活化传统文化，努力把深厚的地域底蕴转化为优质的舞台艺术成果，不负这次系统培训的学习收获。

袁  佳

非遗吴罗品牌柑罗合伙人

这几次学习围绕明清外销瓷与“汉紫”“汉蓝”、湖北文旅“九凤”IP、戏剧结构与戏剧美学，以及中华美学精神与新时代文艺创作等内容展开。通过学习，我对传统文化的理解不再停留在器物、样式和符号层面，而是认识到传统文化真正有价值的地方，在于它背后承载的历史脉络、审美精神、社会需求和创造能力。

在明清外销瓷部分，我认识到瓷器不仅是中国古代工艺的代表，也是中外贸易和文化交流的重要媒介。从唐宋到明清，中国瓷器通过海上丝绸之路销往世界各地，并随着全球贸易的发展，从贵族收藏逐渐进入日常生活。中国工匠并不是简单输出传统样式，而是根据海外市场的生活习惯和审美需求调整器型与纹样。这说明成功的文化传播不是单向展示，而是在理解对方需求后进行再创造。“汉紫”“汉蓝”也让我看到古代工艺中蕴含的技术智慧和审美想象，应用到现代舞台妆造时，不能只复制颜色，而要转化其中的历史感和文化气质。

“九凤”IP的学习让我认识到，文旅传播需要把厚重文化转化为年轻人愿意接受的形象符号。九凤源于楚地神鸟传说，融合凤鸟、戏曲服饰、荆楚纹样等元素，既有地域根基，又有传播力。它能降低传统文化的理解门槛，也能延展到文创产品、数字互动和旅游场景中，让游客更自然地接触湖北文化。AI生成吉祥物为文旅IP提供了新可能，但文化判断仍然需要人来完成。真正有生命力的IP，不能只追求可爱和流行，而要扎根地方文化，讲出清晰的故事。

戏剧结构与戏剧美学的学习让我明白，好的戏剧作品既需要清楚的结构，也需要独特的精神气质。结构解决“故事怎么讲”，美学解决“为什么这样讲”。中国戏剧重视写意、意境和情感表达，西方戏剧更强调冲突、逻辑和人物命运的推进。两者方式不同，但本质上都在关注人的处境、选择和情感。《窦娥冤》《雷雨》等作品让我看到，优秀戏剧不是情节越多越好，而是要通过严密结构把人物推向矛盾核心，使主题自然显现。创作不能只靠灵感，还要懂得安排伏笔、节奏、爆发和留白。

中华美学精神部分，则让我进一步理解了“和”“意境”“虚实相生”“形神兼备”等观念。儒家的“中和”、道家的“天和”、禅宗的“空和”，共同体现了中国美学对平衡、自然、内心澄明和精神超越的追求。中华美学不追求把一切说满，而强调余味和回想。新时代文艺创作要赓续历史文脉，也要面向现实生活，用现代技术和当代表达重新激活传统精神。

总的来说，这几次学习让我认识到，传统文化不是停留在过去的静态遗产，而是可以不断转化、延伸和再创造的精神资源。今后在艺术创作中，我会更加重视文化内核、结构安排、意境营造和现实关怀，既从传统中寻找根脉，也关注当代人的审美与生活，让作品真正做到有文化、有温度、有共鸣。

汤立文

武汉京剧院舞美、灯光师

参加此次学习，让我对戏曲舞台灯光设计有了更深的感悟与思考。

第二期培训中，周丽玲老师分享了她与戏曲结缘并获得国家文化创新基金的经历，她以“九凤IP”实践案例告诉我们：想要有创新，就要不断积累，步履不停，必遇知音和机会。这让我意识到，戏曲舞台灯光设计同样需要打破边界、聚合力量，在数字化传媒时代寻求戏曲视觉化转译的新路径。唐奇老师关于“汉紫”与“汉蓝”在舞台中创意应用的讲授，也让我看到传统文化元素在灯光设计中大有可为。

第三期培训中，傅亦轩老师以《中华美学精神与新时代文艺创作》和《戏剧结构与戏剧美学》为题，系统梳理了中华美学精神的发展主脉与核心要义。他帮助学员理清创作逻辑、提升艺术审美与创新能力。这些内容让我深刻体会到：戏曲舞台灯光不是简单的照明，而是中华美学精神的视觉延伸——虚实相生、气韵生动、以简驭繁，这些美学原则应当贯穿于灯光设计的每一个决策之中。

综合两期所学，我认为戏曲舞台灯光设计的核心在于“守正”与“创新”的统一。“守正”，是回归中华美学精神，让灯光服务于戏曲的写意美学，用光影传递情感与意境；“创新”，是拥抱新技术与新思维，探索AIGC等数字工具在戏曲视觉化转译中的应用可能。

在今后的工作中，我将从三个方面践行所学：一是深耕传统，加强对中华传统美学和戏曲艺术规律的学习积累；二是勇于跨界，主动与编导、表演、新媒体等领域的同行交流合作，拓宽创作视野；三是精进技术，探索将数字技术融入灯光设计，让传统戏曲在当代舞台上焕发新的光彩。正如老师所言，步履不停，必遇知音。

陈  炎

武汉雄博黄浦科技有限公司·舞台舞美

作为舞台设计师，第二期的研习让我深刻意识到：优秀的舞美不应局限于剧场，更应打破学科边界，善于发现历史器物之美并为其所用。

一、 空间与转场：“开光技法”的现代解构

克拉克瓷的“开光技法”——以线条勾勒扇形“开窗”，窗内水墨、窗外几何，在冲突中达到平衡。这为舞台时空分割提供了新思路。在多时空剧目中，可利用灯光“定点光”或投影，在舞台上强行“抠”出独立视窗。窗内是写实细腻的演员表演，窗外是秩序感强的群舞或几何光影，通过光区的明暗交替，实现自带艺术反差感的情绪与时空转场。 

二、 气氛烘托：“本土化重构”的跨界借用

明清外销瓷根据欧洲习惯调整尺寸与器形，是一种“为定制而设计”的审美融合。舞台设计面对西方文本或现代剧目时，亦需如此。在烘托奇幻或冲突气氛时，可提取广彩瓷“满、彩、金”的华丽撞色，利用高饱和度滤光片进行大面积空间染色，让舞台本身成为一件容纳多元文化的“视觉容器”。 

三、 灯光色彩：“汉紫与汉蓝”的情绪转译

中国紫：饱和度极高且带蓝调，承载着历史的神秘与未来的科技感。适用于奇幻、科幻题材中核心角色出场时的主染色或侧光，渲染深邃力量。 

汉蓝：沉稳典雅。在悲剧或宏大转场中，利用浅色底妆叠加汉蓝光晕，模拟瓷器釉色质感，营造静谧克制的气氛。 

通过在白色装置或彩妆上进行色彩叠加，配合紫外光，可在转场瞬时呈现“电光结晶”的视觉震撼。将古老元素进行舞台“转译”，正是让作品出彩的秘密。

第三期聆听了傅老师关于“中华美学精神与新时代文艺创作”的授课，我深受启发。傅老师从宏大的美学结构落脚到微观的戏剧案例，对比中西戏剧观念，为我们厘清了中国传统艺术的底层逻辑。作为戏剧创作者，这不仅是一次理论的洗礼，更是一场关于“如何在当代舞台上讲好中国故事”的实践指南。

一、 核心灵魂：儒道禅交融的中华美学主脉

傅老师将中华美学的精神结构精准地概括为“儒、道、禅”的和谐统一：

儒：聚焦于人与人的关系与情感故事，构成了戏剧冲突的世俗基石；

道：关乎人与自然、人与景的共生关系，赋予了舞台宏大的宇宙观与意境；

禅：主张精简勾勒与高级留白，类似于文学或戏剧中的“开放式结尾”，给观众留下无限的遐想空间。

这种“儒道互补、和谐统一”的审美特质，正是中华美学连绵不绝的主脉，也是我们在新时代进行文艺创作时必须坚守的文化根基。

二、 实践转译：案例中的“新旧之辩”与时代回响

在案例分析部分，傅老师通过一系列经典作品，生动地诠释了传统文化在当代的创造性转化：

音乐的联结：冯小刚导演《一九四二》的配乐，以及台湾木偶剧团借用漳州乐队班底的合作，证明了地域音乐与民间传统有强大的情感穿透力；刀郎老师的《花妖》取材于传统戏曲中的神话故事，用现代音乐激活了古典文本的浪漫基因。

视觉的震撼：张艺谋导演在申奥片中对《二十四节气》的呈现，以及北京中轴线气势磅礴的空间美学，展示了中华文化特有的时空秩序感与生命律动。

戏曲的革新：以谢涛老师的晋剧创新为例，传统的“唱念做打”是风骨与规范，但演绎的内容与时代精神同频。这清晰地回答了“何为新旧”——传统制式是载体，当下表达是灵魂，两者的结合让老戏焕发了新生机。

三、 结构对立：中西戏剧观念与哲学的深度思辨

傅老师对比了中西方戏剧的哲学基础、结构与理论概述。西方戏剧多强调个体与命运的抗争、严密的因果逻辑；而中国戏剧则呈现出一种有机的、流动的、生命化的形态。傅老师梳理的中国戏剧结构三大核心理论，令人振奋：

1. 李渔的“结构第一”有机整体论：强调戏剧创作的全局观与内在逻辑的连贯；

2. 乔梦符的“凤头、猪肚、豹尾”生物形态论：形象地规范了戏剧开篇引人入胜、中间扎实饱满、结尾震撼有力的节奏律动；

3. 范椁的“起承转合”文章章法学：将古典文学的结构美学完美引入戏剧时空的铺排。

通过对《俄狄浦斯王》《雷雨》《悲惨世界》《茶馆》《深夜小狗离奇事件》以及粤剧音乐剧《大状王》《叶甫盖尼·奥涅金》等中外名著的对比分析，我更深刻地理解了：无论是西方话剧的经典“三一律”，还是中国戏剧的散点透视与线性叙事，优秀的戏剧结构最终都服务于人类共通的情感。

结语：善于借古开今，铸就时代精品

中华美学精神绝不是躺在博物馆里的陈迹，而是流淌在现代创作血液中的养分。作为新时代的文艺工作者，我们要学会发现身边与历史深处的美好事物，既要严守传统戏剧的规范，又要敢于打破学科与东西方的边界。运用“起承转合”的东方结构，融入“留白”的禅意美学，在守正创新中，让古老的中华美学精神在当代舞台上绽放出最璀璨的光芒。

杨晓敏

广水市体育舞蹈协会秘书长

以瓷为媒，以色为魂——

研读明清外销瓷跨文化美学与汉紫、汉蓝色彩创意讲义后，再结合国标舞练习，我忽然读懂舞蹈与古瓷相通的跨文化融合之美，收获颇丰。

国标舞本身就是中西审美交融的产物，如同明清外销瓷为适配海外审美改造器型、纹样。华尔兹舒展流畅的线条，恰似中国传统瓷瓶温润曲线；恰恰热烈明快的节奏，对应广彩浓艳饱满、金彩铺陈的视觉张力。古时景德镇白瓷运至广州加彩，融合中西纹样；我练习国标舞时，也在不断融合东方内敛气韵与西式外放肢体表达，不生硬照搬西式舞步，而是融入中式含蓄美感，就像克拉克瓷以开光构图平衡东方山水与西方对称审美。

讲义中汉紫、汉蓝两种古法合成颜料令我深受启发。这两种独属于华夏的千年色彩，高贵深邃，自带厚重历史氛围感。我在舞蹈造型妆造中尝试借鉴这套色彩体系：用带细闪的汉蓝渐变眼影衬托摩登舞优雅沉稳，以偏光汉紫面部彩绘搭配拉丁舞浓烈张力，模仿古瓷釉面流光质感。舞台灯光打在蓝紫色造型上，古老色彩与现代舞蹈碰撞，仿佛让海上丝路的瓷韵随舞步流转。

文化从来不是孤立存在。古代瓷器借航线走遍世界，吸纳各国审美；国标舞经由学习、改良扎根中国，也是一场美学互鉴。往后练习国标舞，我不止打磨舞步技巧，更会深挖背后文化融合内核，把外销瓷兼容并蓄的精神、汉紫汉蓝独有的东方色彩气韵融入肢体表达，让舞蹈兼具西式律动与中式美学底蕴。

彭  湃

湖北长江人民艺术剧院导演

参加此次学习收获特别大。第三期傅亦轩老师讲的课尤其让我开窍，特别是他梳理的中国戏剧结构那套方法，简单明白，又好用。

傅老师把写戏分成四步走，特别接地气：第一步先想“为啥要写”，抓住一个核心，这叫“立主脑”——就像一棵树的主干，所有枝枝叶叶都得围着它长；第二步琢磨“写成啥样”，按“凤头、猪肚、豹尾”来规划，开头要漂亮抓人，中间要内容扎实，结尾要有力耐回味；第三步才是动笔“怎么一步步写”，用“起承转合”来控制节奏，让故事顺顺当当地推进；最后一步是修改，一边用“密针线”查漏补缺，看前后连不连贯，一边用“脱窠臼”想想有没有新意，别老套。他说“结构是创作的骨头”，把这套老传统和现代编剧逻辑一结合，就能搭出一个既结实又有自己味道的戏架子，今后不管是写本子还是排戏，心里都有底了。

傅老师还带着我们看了不少经典片段，印象最深的是用《雷雨》当例子，一下子就把理论讲活了。《雷雨》为啥是经典？结构上就赢了：它死死扣住“周家矛盾”这个主脑，把几十年的恩怨、好几代人的纠葛，全都压进一天、两个场景里，一点不啰嗦。开头那种闷热的天气、人物之间藏着话的对话，马上让人感觉到“要出事”（凤头）；中间从逼喝药到认亲，冲突一层层炸开，看得人透不过气（猪肚）；最后那场悲剧结局，震撼完了还让人心里沉甸甸的，半天缓不过来（豹尾）。这么一看就懂了，好结构不是捆住手脚，而是帮我们把想表达的东西装得更稳、送得更远。

学完我挺有感触的。以前总觉得写戏就得情节多、场面大，现在明白了，开头定准“主脑”反而最重要，该砍的枝节就得砍，所有力气都往核心上使。节奏也得精心安排，开头引人入胜，中间填得实在，结尾让人回味，戏才能抓人。这套方法不光对写戏的人有用，对看戏、评戏的人来说，也是个好用的工具，能帮我们看懂经典到底好在哪儿。把它用到现在的话剧创作、评论甚至教学里，既是跟老传统接上头，也是让咱们自己的戏剧路子越走越稳当。我会带着这些启发，好好用到以后的实践中去。

李  波

武汉新光极限文化传播有限公司总经理

唐奇老师从“昌南”到“China”的课程，清晰地梳理了中国瓷器从海上丝绸之路销往海外，通过瓷器贸易将东方文明传播到世界各地，课程通过“瓷器”与“汉瓷”在器物中的运用关系，为舞美设计创新提供了全新思路。

周丽玲老师聚焦湖北本土非遗，详细讲解了地方小剧种的IP打造与传播方法，她根据高校社团、戏曲行业的特点，结合新媒体特点，打破行业边界、聚合多方资源，探索出了一条非遗在数字化时代中发展的新途径。

傅亦轩老师的授课，将中华美学的精神结构精准地概括为“儒、道、禅”的和谐统一，这种“儒道互补、和谐统一”的审美特质，正是中华美学连绵不绝的主脉，也是我们在文艺创作时必须坚守的文化根基。他通过一系列经典作品，生动地诠释了传统文化在当代的创造性转化；西方戏剧多强调个体与命运的抗争、严密的因果逻辑；而中国戏剧则呈现出一种有机的、流动的、生命化的形态。通过对比中西方戏剧的哲学基础、结构与理论概述。为我们厘清了中国传统艺术的底层逻辑。 

我会将所学的美学知识、非遗理念、戏剧创作思维融入实际工作之中，深耕舞台艺术领域，不断提升自身专业素养。打牢基础，更好地为舞台艺术事业发展贡献一份力量。

吴  芳

襄阳市艺术剧院有限责任公司歌舞演出团副团长

参与第二期、第三期课程学习，课程内容兼具文化底蕴、实践案例与理论高度，让我在传统美学认知、非遗创新思维和文艺创作理念等方面得到全方位提升，受益匪浅、感悟深刻。

第二期培训中，唐奇老师从陶瓷美学切入，带领我们溯源中华传统美学。课程梳理了海上陶瓷外销的发展历程，细致讲解明清外销瓷器器型、纹样的中西融合演变特点，并展示了“汉紫”“汉蓝”传统古色在舞台艺术中的创新应用。以器物见美学、以色彩见匠心，让我深刻体会到传统工艺的文化价值，也为舞台艺术创作、审美表达提供了全新思路。

周丽玲老师以非遗传承创新为主题，结合自身戏曲从业经历与科研实践，诠释了文艺工作者坚守与创新的意义。她提到文艺创新没有捷径，唯有长期积累、持之以恒，方能把握机遇、遇见知音。同时，老师通过“九凤”IP建设案例，生动展示了戏曲、高校资源与新媒体的跨界融合模式，让我明白新时代非遗传承需要打破固有边界，借力数字化传播，让传统戏曲焕发新时代活力。

第三期培训中，傅亦轩老师的全天系统化授课，夯实了我的文艺创作理论基础。上午课程以互动分组的新颖形式，梳理中华美学精神发展脉络，解读中华美学核心内涵，并结合当下文艺发展形势，明确新时代文艺创作的使命、方向与价值立场，帮助我树立正向、专业的文艺创作观。下午聚焦戏剧专业能力，围绕戏剧观念、剧本结构搭建、舞台美学塑造展开细致讲解，结合经典案例拆解创作逻辑，有效提升了我的戏剧审美能力与创作创新水平。

此次培训融传统、非遗、美学、创作为一体。今后我将深耕艺术专业，扎根中华优秀传统文化沃土，守正创新、学以致用，在新时代文艺创作道路上不断精进成长。